L’autor és conegut mundialment per una sèrie de novel·les policíaques protagonitzades per l’inspector Kurt Wallander. Els seus llibres han estat traduïts a 37 idiomes i alguns d’ells passats a cinema i TV. Aquest concretament és una obra curta que l’autor fa en reconeixement a la bona acollida que havien tingut les anteriors publicacions. Aquest tanca la sèrie protagonitzada per Wallander.
És un llibre fàcil de llegir, amb un llenguatge planer i lletra gran. No cal consultar el diccionari i la única possible dificultat són els noms de les ciutats i de les persones sueques.
Respecte del contingut es tracta d’una trama senzilla que es pot seguir sense esforç. Wallander es vol comprar una casa amb jardí. Passejant-t’hi troba entre l’herba uns ossos que semblen ser d’una mà. Una vegada els tècnics els identifiquen decideixen fer una excavació on troben les restes d’un cadàver molt antic que afirmen tenir uns cinquanta anys. Els forenses a l’analitzar el material afirmen que la mort ha estat violenta i es decideix investigar les causes. La gran dificultat que tenen és que han de retrocedir fins aquelles dates on els hi serà quasi impossible accedir a la informació i les persones ja mortes, malaltes o molt grans. Quan ja no es tenen esperances d’arribar a cap solució Wallander pensant i passejant pel jardí fa una troballa interessant.
La autora de este libro coge mal el lápiz. Lo ha cogido mal desde niña, cuando algunos profesores se empeñaban en corregirla porque «hay que escribir como Dios manda», e, incapaz de aprender, ha seguido cogiéndolo mal hasta el día de hoy, con todas las consecuencias. Porque... ¿puede acaso salir buena letra de un lápiz torcido?
Esta es una de las cuestiones que planean sobre este conjunto de cuentos: la de la escritura indócil, libre y acelerada, la escritura que araña y rasga la memoria, que destroza los recuerdos y hace de ellos otra cosa. Las historias que aparecen en este volumen abordan temas como la culpa y la redención, la falta de libertad y esos «pequeños instantes, epifanías, revelaciones, imágenes que se abren, palabras que se desdoblan», cuando «algo se quiebra, y todo cambia». Niños que se resisten a obedecer y que viven con asombro y soledad el difícil proceso de crecer; chicas rebeldes cuya rebeldía es subterránea, rabiosa y poco aprovechable; seres atormentados–o no–por los remordimientos y las dudas; picabueyes y nutrias que representan agresión o consuelo; el desconcierto de vidas en apariencia normales que a veces encierran crímenes y otras únicamente el deseo de cometerlos.
Sara Mesa ha construido un conjunto sólido y coherente de voces con su ya peculiar estilo tenso y sin artificios.
En La casa del silencio, Blanca Busquets, que en 2011 recibió el prestigioso Premi Llibreter , nos adentra en la vida de un director de orquesta alemán exiliado, de su criada y de las dos violinistas que interpretarán el Concierto para dos violines de Bach.
Esta es la historia de varias mujeres y de algún hombre. Mujeres valientes y sensibles, mujeres apasionadas, mujeres que aman a los hombres pero que, por encima de todo, aman la música.
Esta es la historia de un violín que pasa de mano en mano, de un director de orquesta exiliado que vive entre notas musicales y faldas, de madres ausentes, de desamores y venganzas, de guerras que separan, de criadas que toman chocolate caliente...
Esta es la historia de La casa del silencio, donde la música jamás deja de sonar.
Una magnífica novela que une la historia musical de la Europa del siglo XX con las pasiones de una saga de personajes sólidamente construidos. Una historia excepcional de una de las narradoras más destacadas del momento.
Una trama trepidante sobre cómo la sociedad se rebela contra los poderosos hartos de vivir en un país corrupto hasta la médula. Una ficción que podría perfectamente convertirse en realidad.
En una España rota por la crisis triunfa una revolución liderada por personas que ya no tienen nada que perder. Enfermos terminales que no podrán ser castigados penalmente porque les queda demasiado poco tiempo de vida. Individuos que se rebelan contra el sistema para dar un sentido a su muerte natural. Una empresaria ejemplar que lo ha perdido todo decide tomarse la Justicia por su mano y asesinar a un político corrupto. No tiene nada que perder porque su enfermedad es terminal. Antes de cometer el crimen graba su confesión y la difunde por Youtube. En pocas horas el video se convierte en el más visto de la historia y otros enfermos terminales deciden imitarla.
Un libro original y novedoso que provoca la reflexión y el diálogo y ayuda a entender y disfrutar los cuadros que presenta.
Con un estilo literario y profundamente divulgativo, seductor y personal, Carlos del Amor nos ofrece un viaje por treinta y cinco obras de todos los tiempos, con especial atención a la pintura femenina y a la española. Un viaje a través de texturas, colores, claroscuros, historias, miradas, vidas, abrazos, besos…, que nos descubre un caleidoscopio donde se aúnan verdad y ficción, historia del arte, imaginación y emoción.
«El arte es una celebración. Un cuadro no se acaba en lo que encierra su marco, un cuadro vive antes y después de que lo miremos. El marco lo acota y nosotros debemos cruzar esa frontera para hacer que su existencia siga saltando siglos y vidas, y se renueve con cada mirada. Cada cuadro es un cuento, una novela, un relato, y eso he pretendido reflejar en estas páginas: romper el marco y expandir el lienzo hasta donde sea posible».
Al inicio del libro, Nat, su protagonista, estrena un tubo de pasta de dientes.
Pocos meses, y ciento sesenta y tantas páginas después, cuando la novela se acerca a su fin, la protagonista del libro de Sara Mesa reflexiona, ante el tubo aún a medias, sobre lo que le ha sucedido en ese tiempo: “Es increíble, se dice: removerse por dentro por completo, sacudirse, darse la vuelta y volvérsela a dar, en menos de lo que se tarda en gastar 125 mililitros de dentífrico”.
Y lo que le pasa y, de modo especial, cómo se cuenta lo que le pasa es precisamente lo que constituye el meollo de esta novela excepcional, que tenemos que leer.
John Boyne (Dublín, 1971) és un novel·lista irlandès, es va llicenciar en literatura anglesa a la Universitat de Dublín i va estudiar creació literària a Norwich. Va guanyar el premi Curtis Brown i va començar a publicar relats breus; l'any 2000 va publicar la primera novel·la que porta per nom The Thief of Time. El 2006 va publicar la que de moment és la seva obra més coneguda i la primera que s'ha traduït al català, El noi del pijama de ratlles.
Es va formar al Trinity College, i a la universitat d'East Anglia, Norwich, Anglaterra. És autor de diverses novel·les, entre les quals destaca la de 'El noi del pijama de ratlles', sent aquesta última un èxit en tots els països en els quals es va publicar.
Argument:
Quan el Pierrot es queda orfe, es veu obligat a deixar la seva casa de París i començar una nova vida amb la seva tieta Beatrix, que fa de minyona a casa d'una gent acomodada, al cim dels Alps bavaresos, a Alemanya. Però no és una època normal. Corre l'any 1935 i la Segona Guerra Mundial està a punt d'esclatar. I aquella tampoc no és una casa normal, és el famós Berghof, residència de descans d'Adolf Hitler. Ràpidament, el Pierrot serà acollit i tutelat per Hitler, que el llançarà a un món nou cada cop més perillós: un món ple de terror, secrets i traïcions, del quan no serà gens fàcil escapar...
Les comparacions amb 'El noi del pijama de ratlles' són inevitables, però del tot merescudes: Una nova faula que ens convida a reflexionar sobre el millor i pitjor de la nostra naturalesa.
Annie Ernaux es la primera escritora francesa ganadora del Premio Nobel de Literatura, en este caso en el año 2022. Según la academia sueca el premio le fue concedido “por el coraje y la agudeza clínica con la que descubre las raíces, los extrañamientos y las trabas colectivas de la memoria personal” y por haber convertido su obra “en un acto político que nos abre los ojos a la desigualdad social”. Es catedrática y profesora de letras modernas y su obra literaria es mayormente autobiográfica, encuadrada en el género llamado “auto ficción” y ella misma la considera como un cruce entre la literatura, la sociología y la historia. Ha sido maestra de escritores como, por ejemplo, Emmanuel Carrière.
La crítica literaria ha dicho de ella que es la escritora que ha convertido su vida y su cuerpo en esa arma política de la que hablaba la academia sueca al darle el premio y de hecho ella siempre ha reivindicado la dimensión política de la intimidad colocándose a sí misma en el centro del relato para hablar de clase y de género y de paso radiografiar a la sociedad francesa. Sus obras, a las que ella nunca llama novelas, han sido calificadas de feministas y revolucionarias, al tiempo que inteligentes y bellas, capaces de conmover y escocer al mismo tiempo.
En sus libros ha explicado sin florituras la vida de su madre (Une femme), el ascenso social de sus padres (La place), su adolescencia (Ce qu’ils disent ou rien), su matrimonio (La femme gelée), la enfermedad de Alzheimer de su madre (Je ne sui pas sortie de ma nuit), su cáncer de mama (L’usage de la photo), su aventura con un amante ruso (Pura pasión) o, en el caso del libro que hoy propongo, su aborto en los años 60, cuando era una estudiante de filosofía y el aborto estaba prohibido.
La autora abandona cualquier tono auto condescendiente y adopta un estilo aséptico, de una precisión fría y desnuda. Ernaux narra la historia casi 30 años después, escarbando el los recuerdos, algunos todavía intactos, otros difuminados casi hasta desaparecer, nunca abre la puerta al arrepentimiento, no se juzga moralmente. Está escrito con las palabras justas y con una precisión fría y desnuda.
“El acontecimiento” está considerado una obra maestra y es el que mayoritariamente se recomienda para iniciarse en su obra.
Venecia, la República Serenísima, a finales del siglo XVIII, en su estadio terminal, entre la evasión de Casanova y la invasión de Bonaparte. Una fiesta perpetua en la que se consumen los últimos fuegos de un lujo cada vez más seductor, más venenoso, bajo la mirada de una policía omnipresente... Alvise Lanzi, en su palacio, se ausenta en la biblioteca, mientras su esposa agoniza entre atroces convulsiones. Viudo de nuevo, por cuarta vez en treinta años, se desencadenan las sospechas: «Se mata mucho en esta villa. Se asesina sin tregua en el laberinto del Minotauro».
Gabrielle Wittkop, un singular redescubrimiento, propone sus enigmas macabros en el marco de esa Venecia deslumbrante, festoneada por los cuadros de Longhi, Tiépolo el Joven, Guardi.
Jon Fossie, escritor y dramaturgo noruega; premio Nobel de literatura 2023, es el autor del mensaje que celebra el Día Mundial del Teatro (27 de marzo).
El Arte es paz
“Cada persona es única y, al mismo tiempo, como todas las demás. La apariencia, se puede ver, es cierto, pero también hay algo dentro de cada persona que le pertenece, que la hace única. Podemos llamarlo alma o espíritu, o bien, podríamos no ponerle palabras, simplemente dejar que este ahí.
Al mismo tiempo que somos diferentes, también somos iguales. Las personas de todo el mundo somos fundamentalmente iguales, sin importar que lengua hablemos, que color de piel o de cabello tengamos.
Quizás esto sea una especie de paradoja: que somos completamente iguales y diferentes al mismo tiempo. Tal vez una persona es paradójica en su conexión entre el cuerpo y el espíritu, entre lo terrenal y tangible y lo que trasciende los límites materiales y terrenales.
El arte, el buen arte, consigue a su manera y de forma fabulosa reunir lo absolutamente único con lo universal. Nos permite entender la diferencia entre lo extraño y lo universal. Al hacerlo, el arte trasciende las fronteras de los lenguajes y los límites geográficos. Reúne, no solo las cualidades individuales, sino también, las características de un grupo de personas, por ejemplo, las naciones.
El arte no se expresa provocando que todo sea igual, por el contrario, nos muestra nuestras diferencias, aquello que es ajeno o extraño. Todo buen arte contiene precisamente eso: algo extraño, algo que no podemos comprender completamente y que, sin embargo, entendemos de cierto modo. Contiene lo enigmático, algo que nos fascina y por lo tanto nos lleva más allá de nuestros límites y así crea la trascendencia que todo arte debe contener y a la cual conducirnos.
No se me ocurre una mejor manera de unir los opuestos. Es exactamente el enfoque inverso al de los conflictos violentos que vemos a menudo en el mundo, que alimentan la tentación destructiva de aniquilar todo lo extraño, todo lo único y diferente, comúnmente utilizando los inventos más inhumanos que la tecnología ha puesto a nuestra disposición. Hay terrorismo en este mundo. Hay guerra, puesto que la gente tiene un lado animal que lo lleva a ver lo extraño como una amenaza a su propia existencia, en lugar de ver el fascinante enigma que eso representa.
Y entonces lo único, lo diferente que es universalmente comprensible, desaparece. Dejando atrás una semejanza colectiva donde todo lo diferente es una amenaza que debe ser erradicada. Lo que vemos desde fuera, se ve como desigualdad, por ejemplo, las religiones o ideologías políticas, se convierten en algo que debe ser derrotado y destruido.
La Guerra es la batalla contra lo que yace en lo más profundo de cada uno de nosotros: lo único. Y es una batalla contra todo arte, contra la esencia más íntima de todo arte.
He hablado del arte en general, no del arte teatral en particular, esto se debe a que todo buen arte, en el fondo, gira en torno a lo mismo: tomar lo singular y específico para hacerlo universal. Articula en su expresión artística aquello único con lo universal: no eliminando lo singular, sino enfatizándolo; dejando que lo extraño y lo desconocido brille claramente.
Es tan simple como que la guerra y el arte son opuestos, como la guerra y la paz son opuestos. El Arte es paz.”
Un relat intimista que ens narra la relació sovint difícil entre un pare i un fill. No obstant, durant setanta-tres dies en què es veuen obligats a refugiar-se als boscos, viuran un seguit d’experiències amb una insòlita comunicació afectiva i un estret contacte amb la natura que els farà madurar la relació i, en definitiva, valorar el paper de la memòria i els silencis en la construcció de cada vida.
Setanta-tres dies amb el pare és una novel·la on la solitud, la subsistència i autonomía dins la naturalesa crua, l’aprenentatge de vida, la maduresa i el creixement personal són elements que omplen aquesta història.
Amb pròleg de Maria Barbal.
Isidre Grau (Sabadell, 1945) és autor de disset novel·les, entre les quals destaquem la pentalogia d’Els colors de l’aigua (Premi Sant Jordi 1985), La ciutat dels solitaris, L’home que perseguia la veritat i Un dissabte de primavera.
Ha conreat narrativa breu, recopilada a La pell dels anys. Contes 1981-1994, i posteriorment ampliada amb El dia de l’incident i Pinyols madurs, contes difosos a Núvol. En una línia memorialista, ha publicat Primer paisatge, amb records d’infància ficcionats. Durant els quinze anys d’impartir tècniques de novel·la i de conte a l’Escola d’Escriptura de l’Ateneu Barcelonès, va publicar al diari Avui articles amb reflexions sobre l’escriptura, i després va recollir aquesta experiència en els assaigs literaris L’arquitectura del conte (nova edició ampliada el 2016) i La maleta de l’escriptor (nova edició revisada el 2019).
Quinze anys separen aquestes dues imatges. El dissabte 27 de setembre de 2008,Vespres Literarisva recórrer la vida i l'obra del poeta de Roda de Ter, Miquel Martí i Pol.
Diumenge passat, 17 de març de 2024, vam tornar per llegir, als espais viscuts pel poeta, “La fàbrica”, “El poble”, “L'Elionor”, “Lletra a Dolors”…
“Qualsevol forma d’expressió artística exigeix un lliurament total i constant, perquè totes comprometen allò que de més essencial hi ha en l’home: la seva pròpia manera d’ésser. Amb tot, la poesia, essent com és una de les que més activament potencia la intimitat, una de les que menys elements exteriors a ella mateixa necessita per realitzar-se, i una de les que menys projecció comercial i social té en el món d’avui […], la poesia repeteixo, per tot el que he dit, i, a més pel fet d’operar amb un instrument tan quotidià i vulnerable com ell llenguatge, possiblement és la forma d’expressió artística que més profundament compromet la manera d’ésser de l’home, i que més substancialment el modifica.”
Miquel Marti i Pol
“El millor i més perfecte retrat de mi mateix és el que escric, perquè condensa en mots tota la complexitat de l’ésser […] perquè el que escric canvia amb mi, i si m’estableix, si em fixa, és en una dimensió profunda de mi mateix, l’única dimensió de mi mateix en què estic segur que no em farà por de retrobar-me passats uns anys, molts o pocs.”
Miquel Marti i Pol
“Cap bona lectura de poesia no és gratuïta, perquè sovint en un sol vers s’hi condensa més experiència i gairebé m’atreviria a dir més saviesa de la que nosaltres hem estat capaços d’atresorar amb anys d’activitat mental. A més a més, però, el bon poema, la bona poesia, és una deu constant de reflexió.”
S'inicia la tarda del dissabte amb la presentació de la lectura que cadascú de nosaltres desitja que el grup llegeixi la temporada següent.
Aquest any s'ha afegit a la defensa de cada proposta de lectura, les propostes de los possibles pel·lícules que inspiraran les xerrades debats bimensuals que venim fent des de l’octubre passat.
A la nit vam gaudir de la lectura dramatitzada de l'obra de teatre Un pájaro en el garlito, de l'autora Joaquina García Balmaseda. L'obra va ser estrenada l'any 1871, i la vam representar el passat 9 de març a l'aula Feixa Baixa, com a acte a l'entorn de l'exposició “Invisibles i ocultes”, un viatge a través de l'espai i el temps per la vida de 24 dons científiques, els quals la història ha fet invisibles.
La Joaquina García Balmaseda, traductora, escriptora i directora de diverses revistes, va néixer a Madrid el 17 de febrer de 1837 i va estudiar declamació al Conservatori i amb catorze anys va debutar al Teatre Espanyol de Madrid. Va continuar la carrera d'actriu a la companyia de Joaquín Arjona, on va estar quatre anys.
Coneixedora del món teatral, compondrà diverses obres dramàtiques en un acte, en prosa o en vers, com la que vam representar. En aquesta, dibuixa els homes com a «estúpidos» i «majaderos» i a l'heroïna, Rosario, com a independent i lliure.
A continuació el nostre company Carlos va interpretar la cançó Campanera, un popular pasdoble publicat per primera vegada el 1953 i compost per Genaro Monreal, Camilo Murillo i Francisco Naranjo. Per a l'ocasió, Carlos es va transformar en el Joselito que la va cantar a la seva primera pel·lícula El pequeño ruiseñor, del 1956.
La poesia va venir de la mà de l'Andrés, que va recitar l'Oda III, de Fray Luis de León, dedicada al músic Francisco de Salinas; seguida, sense interrupció, de la cançó la Guarapachanga, una cançó del compositor cubà Juan Rivera Prevot, que va narrar així la seva gènesi:
“Algun temps després del triomf de la Revolució cubana, se li va assignar la tasca de dirigir un contingent de talladors voluntaris de canya de sucre als camps del central Habana Lliure, ubicat a la localitat de Caimito, a l'actual província d'Artemisa.
Els matxeters, poc habituats a una labor tan àrdua, es cansaven i patien de laceracions a les mans, per la qual cosa sovint abandonaven la feina per prendre descansos durant els quals espremien les canyes, prèviament picades per extreure-li el dolç suc, i també solien cantar al compàs de la música que feien copejant els matxets amb les llimes.
Un matí Prevot els va sorprendre en aquest tràngol i els va renyar dient-los que no era hora de pachanguear, sinó de tallar la canya perquè el país tingués el sucre que necessitava.
En retirar-se del lloc, al cap no deixaven de sonar les paraules “guarapo” i “pachanga”, embolicades en el contagiós ritme que els matxeters treien dels seus instruments de treball.
Va treure d'una de les seves butxaques un paper, en què ja havia escrit per una cara i un llapis molt usat, on va escriure la lletra de la guaratxa que després es convertiria en tot un èxit.
Mentre tornaven al campament, va taral·lejar-la als seus subordinats el ritme que havia ideat, i va ser tant el que el van corejar que se li va quedar gravat a la ment fins que es va poder portar al pentagrama.
El títol es va fer famós a través de Chapottin i les seves Estrelles, en què va brillar la indiscutible veu de Miguelito Cuní.”
Tot seguit, un grup de entremaliats espectadors ens van oferir la seva particular visió d'una tarda a les sales de cinema. Amb els “Palomitas films” no vam deixar de riure.
Finalment, va arribar el moment dels bisos, el primer el “Soy minero”, cantat per Antonio Molina-Carlos, una cançó composta per Daniel Montorio amb lletra de Ramón Perelló i estrenada a la pel·lícula Esa voz es una mina, de 1956, de Luis Lucía Mingarro.
El segon, Como una ola, cantada per Roció Jurado—Emma, una cançó composta per Pablo Herrero i José Luis Armenteros.
Dissabte al matí teníem programada la visita al Museu del Ter, a Manlleu.
El museu aprofita les antigues instal·lacions de la fàbrica cotonaire de Can Sanglas per mostrar la “Fàbrica de Riu” a la planta baixa, un viatge al cor d’una fàbrica tèxtil.
A la segona planta es mostra “la Societat Industrial (1845-1935)”, amb dues espectaculars maquetes que reprodueixen la Colònia Rusiñol i la façana fluvial de Manlleu entre el Pont de can Molas i la fàbrica de can Sanglas, i una mostra sobre “els Rius Mediterranis"; un recorregut pels paisatges, la hidrologia, l'ecologia, el patrimoni natural, els aspectes socioambientals i la gestió sostenible dels cursos fluvials mediterranis.
Un text de Josep Pla ens dona la benvinguda:
“Generalment, els rius tenen un sentit i una direcció clars i definits. El Ter, no. El seu curs dibuixa un curiosíssim angle recte (...) És a la Plana de Vic- a Manlleu, exactament- on es produeix aquest estranyíssim viratge. (...) arriba un moment que el riu, fatigat de treballar per la indústria i dels engavanyaments que el fet implica, vol canviar d’ofici i dedicar-se a l’agricultura i concretament al regadiu.
Sembla, en efecte, que desprès d’haver passat la joventut treballant com un negre vol penetrar en un paisatge més bucòlic, més saludable i tranquil, i així se’n va cap a Girona esperant trobar-hi una gent més contemplativa (...). En tot cas, el Ter és un gran treballador, un riu modèlic que els pares podrien presentar a les seves criatures perquè prenguessin exemple” (PLA, 1967).
L’edifici original es de l’any 1833, els industrials Martí Sanglas i Bonaventura Miàs obtingueren una concessió d’aigua per fer funcionar una fàbrica de filats de cotó al final del recorregut del canal industrial de Manlleu, que redirigia les aigües del riu Ter. Tot i que les obres de l’edifici s’iniciaren l’any 1837, la fàbrica no començà la seva activitat fins el 1841, un cop acabada la Primera Guerra Carlina (1833-1840).
Lèdifici seguia el model d’una fàbrica de pisos (planta baixa més dos pisos), on l’energia de l’aigua del canal que impulsava originàriament les rodes hidràuliques i més tard les turbines es transmetia verticalment amb un sistema d’engranatges per moure els embarrats i la maquinària de les diverses plantes. Les dues turbines s’ubicaven en dos ramals separats del canal del Ter, i es disposaven en els extrems oriental i occidental de la fàbrica.
Can Sanglàs fou la primera fàbrica del Ter mitjà a instal·lar, pels volts de 1860, una turbina Fontaine de la casa Planas, Junoy, Barné i Cia de Girona. Atès que l’edifici comptava amb dos espais energètics separats, alimentats per ramals diferents del canal industrial de Manlleu, l’any 1888-89 s’hi ubicà una segona turbina d’aquesta mena, que seria substituïda el 1929 per una turbina Francis.
Can Sanglas funcionà com a filatura fins l’any 1980, i posteriorment es dedicà a altres activitats industrials, fins que el 1998 fou adquirida per l’Ajuntament de Manlleu per convertir-la en la seu del Museu del Ter, que s’inaugurà l’any 2004.
La rehabilitació de Can Sanglàs es dugué a terme entre 1999 i 2004, i tenia com a finalitat convertir l’espai en un museu. Pel que fa a la fàbrica, s’intentà mantenir-ne les característiques i la fisonomia.
La intervenció més destacada és la creació d’un nou volum adossat, que continua l’edificació de la fàbrica cap a llevant. Es tracta d’un prisma cúbic de formigó, d’aspecte auster, amb un gran voladís, que serveix d’accés principal a l’edifici. Una vidriera de grans dimensions, que ocupa la part central de la façana oest de dalt a baix, proporciona llum a l’entrada, i a les façanes nord i sud són destacables les finestres, que reinterpreten el ritme produït pels buits de l’edifici antic.
Aquest divendres, quinze de març, va tenir lloc la XIX trobada anual del grup, reunió que vam aprofitar per gaudir plegats d'un cap de setmana de complicitats i bons moments.
Per segon any consecutiu hem gaudit de l'hospitalitat de La Devesa i la seva amfitriona, la Carmina.
Un cop allotjats i agafat forces després del viatge, comencem les activitats del cap de setmana amb una proposta del grup de cinema de fer una xerrada debat al voltant d'una pel•licula que vam veure prèviament cadascú a casa seva.
La pel·lícula proposada, va ser “La boda de Rosa”, pel·lícula de l'any 2020, va ser dirigida per Icíar Bollaín, responsable també del guió juntament amb la Alicia Luna. Amb música de la Vanessa Garde, la fotografia del Sergi Gallardo i la Beatriz Sastre i el muntatge del Nacho Ruiz Capillas.
Protagonitzada per Candela Peña, en el paper de Rosa, la van acompanyar Sergi López al paper d'Armando, Nathalie Poza com a Violeta, Ramón Barea com a Antonio, Eric Francés va ser Manuel i Paula Usero, Lidia.
La pel·lícula començà amb una Rosa, a punt de fer quaranta-cinc anys, que s'adona que ha viscut sempre per i per als altres i decideix reinventar-se, enviar-ho tot a passeig i agafar les regnes de la seva vida. Però abans vol embarcar-se en un compromís molt especial: un matrimoni amb si mateixa.
Aviat descobrirà que el seu pare, els seus germans i la seva filla tenen altres plans, i que canviar de vida no és tan senzill al si de la seva família. Casar-se, encara que sigui amb ella mateixa, serà el més difícil que hagi fet mai.
Icíar Bollaín apunta:
"Conciliar lo que Rosa quiere con lo que quieren los demás se convierte en una tarea titánica, incluso aunque se trate de organizar su propia boda.
Hay muchas Rosas entre nosotros y todos somos un poco Rosa... Aprender a saber lo que uno quiere y no renunciar a ello es una asignatura difícil de aprobar y a veces no se consigue en toda la vida. Pero Rosa está dispuesta a conseguirlo.
Creo que LA BODA DE ROSA se parece a mis primeras películas. Es una historia de personajes, de sus relaciones entre ellos y con el mundo y que intenta hablar de cosas que de una forma u otra nos afectan a todos, pero siempre con humor y emoción."
El debat va ser molt viu i amb intervencions que van destacar l'aspecte més humà del tema que ens proposaba la directora.
Enguany, per celebrar el Dia Mundial de la Poesia (21 de març), la Institució de les Lletres Catalanes ha escollit el poema “m'he estimat molt la vida” de Vicent Andrés Estellés, de qui aquest any es commemora el centenari del seu naixement.
XLII
m’he estimat molt la vida, no com a plenitud, cosa total, sinó, posem per cas, com m’agrada la taula, ara un pessic d’aquesta salsa, oh, i aquest ravenet, aquell all tendre, què dieu d'aquest lluç, és sorprenent el fet d'una cirera.
m’agrada així la vida, aquest got d’aigua, una jove que passa pel carrer aquest verd aquest pètal allò
una parella que s'agafa les mans i es mira als ulls,
Nápoles, 2 de febrero de 1920 - Nápoles, 23 de octubre de 1999; partisana
Nápoles fue la primera ciudad italiana que se liberó de la ocupación nazi-fascista, incluso antes de la llegada de las tropas estadounidenses. El levantamiento popular contra el ejército alemán, que tuvo lugar del 27 al 30 de septiembre de 1943, se conoce como los "Cuatro Días de Nápoles". Maddalena Cerasuolo (Lenuccia, como la llamaban familiarmente) fue una de las muchas mujeres protagonistas de esta insurrección.
Nació en Nápoles el 2 de febrero de 1920, en el barrio de Stella, en el seno de una familia numerosa. Su padre Carlo, cocinero y militante antifascista, dirigió el comedor Ansaldo durante la Segunda Guerra Mundial y cuando le quitaron el trabajo acabó vendiendo pizzas fritas en la calle. Maddalena trabajaba como en una fábrica de zapatos.
Durante los enfrentamientos armados en el distrito de Materdei, Lenuccia, para evitar que los alemanes saquearan una fábrica, se ofreció a ir sola para evaluar el tamaño de las fuerzas alemanas, poniendo en riesgo su propia vida. Posteriormente también participó valientemente en el enfrentamiento en defensa del Puente Sanità, junto a su padre, con los partidarios de los barrios de Materdei y Stella, para defenderlo de los alemanes que querían derribarlo.
Maddalena Cerasuolo fue una auténtica heroína y, por su contribución a los "Cuatro Días de Nápoles", el 24 de mayo de 1946 recibió la Medalla de Bronce al Valor Militar: "Después de haber actuado como portavoz de los partisanos con los alemanes en Vico delle Trone, se distinguió mucho en los combates que siguieron. El mismo día participó valientemente también en el enfrentamiento en defensa del puente Sanità, junto a su padre, con los partisanos de los barrios de Materdei y Stella".
Una vez terminada la guerra volvió a su vida habitual, se casó y tuvo dos hijos. Murió en Nápoles el 23 de octubre de 1999, convirtiéndose en una de las testigos más famosas de la Resistencia napolitana y en el símbolo de las mujeres de la Resistencia del Sur.
El 27 de enero de 2011, el Ayuntamiento de Nápoles, en su honor, puso su nombre al puente sobre el distrito de Sanità. El Puente representa un lugar simbólico para la ciudad y es uno de los pocos puentes que llevan el nombre de una mujer.
"Existe sin duda alguna una tradición consolidada de escritoras napolitanas (Anna María Ortese, Antonella Cilento, Valeria Parella, Maria Orsini. Elena Ferrante…) a las que es preciso añadir Wanda Marasco (1953), cuya novela La compañía delle anime finte (Un coro de almas) en la traducción española fue finalista del Premio Strega 2017. Una novela tan magnífica como dura y desgarradora.
El libro se abre con una dedicatoria a la poesía a golpe de realidades, una verdadera advertencia al lector porque muy pronto va a descubrir la saga familiar de Vicenzina Umbriello a través de la mirada y las palabras, no siempre benévolas, de sus hija Rosa Maiorona. En efecto, desde la colina de Capodimonte, Rosa mira Nápoles y le habla al cuerpo de Vicenzina, su madre recién fallecida. Le habla de reparar el daño que las ha unido más allá de la unión de la sangre, y ha marcado irremediablemente la vida de ambas. Sumergiéndose “en las vísceras de un purgatorio público y privado”, Rosa revive la historia de su madre, su infancia pobre en una tierra desolada a las puertas de la ciudad, el encuentro tras la destrucción y la miseria de los años posteriores a la Guerra con Rafele, de estirpe noble decadente, que será su futuro padre.
El resultado es una novela coral de voces femeninas. Rosa, hablándole al cuerpo frío de la madre reconstruye la historia. Y sobre la madre, sobre Vicenzina se vertebra y sustenta una trama tremenda de lucha y de supervivencia en el Nápoles de posguerra. Rosa asiste a los últimos instantes de la existencia materna, ve la carne agonizante, las huellas del pasado: el pasado de su madre y el suyo propio. Y escribe como reparación de una criatura a otra. Vicenzina se casa con Rafele Maiorana y con esa unió marital quedan definitivamente trazadas las improntas de su vida.
Surge así una novela sobre Nápoles sobre sus gentes, sobre sus calles. Y sobre todo el relato de la descomunal lucha por la supervivencia en una ciudad que acaba de salir de la Guerra y en la que la ferocidad es la única forma de perdurar. Un Nápoles todavía al margen de la Camorra pero no de la miseria y de la usura. Este Nápoles de la posguerra es la hermandad entre un ejército extranjero, el nuevo gobierno y el hampa.
Formando parte sustancial de la trama los amores entre Vicenzina y Rafele, que por amor a ella, pobre y sin cultura, afronta la oposición de la madre, Lisa Campani. Pero la boda proscrita se celebra sin que de la casa de los Maiorana acuda nadie. Pronto vienen los hijos y Vicenzina inyecta en cada uno de ellos el fantasma de un mundo pobre y una visión de la existencia bastante alejada de la moral. Ella misma, con la ayuda de Rosa que en un cuaderno lleva las cuentas, practicará el préstamo con usura.
Rafele no había seguido las carreras burguesas del padre médico y de los hermanos, quedándose en simple oficinista, condenado a una muerte precoz. Sus hijos habían crecido gracias a los esfuerzos de Vicenzina que recurre a la usura para pagar el costoso tratamiento médico del marido.
Rosa recuerda a su profesor, a los compañeros y compañeras de infancia, su propia juventud recorriendo las calles pobres de Nápoles, la muerte del padre la vida de prestamista usurera de la madre. Inmortaliza a la madre al mismo tiempo cercana y alejada; fuerte, decidida, dispuesta siempre a enfrentarse con la adversidad.
Además de las dos grandes protagonistas, Vicenzina y Rosa, por la novela circula una gran nómina de secundarios, Ese es el coro de almas, sin el que la historia de Wanda Marasco no se sostendría. Son ellos los que enriquecen la trama con sus dolores y pequeños disfrutes, con las tragedias que azotan a la familia y al vecindario. La misma protagonista y relatora no sabe si la suya es la verdadera historia de Vicenzina, pero a lo largo de su vida aprendió a construir una que se le semeja.
En la novela aflora todo el Nápoles violento: el de las furcias, los prestamistas, las comadres, las ogras, miserias, dramas antiguos y actuales. El Nápoles de las mujeres pobres, de carne humillada, de turbulencias carnales, la ciudad de la usura. El Nápoles donde se manipula la vida del pobre al lado del pobre. El Nápoles de la espiral de semisótanos, del estupro y de la peste del callejón sin fin.
La autora traza con mano sin ningún temblor el retrato expresionista del Nápoles de la posguerra en una novela escrita con una lenguaje en el que también las formas dialectales napolitanas imponen su impronta literaria."
"Entre el 27 y el 30 de septiembre de 1943, en plena descomposición del régimen fascista italiano, mientras las tropas aliadas se acercan a Nápoles, a la que llegaran el primero de octubre, después de que el ocho de septiembre el mariscal Badoglio hubiera firmado el armisticio de Cassibile, los nazis ocupan esta ciudad. Inmediatamente, el comandante provisional y gobernador alemán Walter Schöll se hace cargo de la situación. La capital de la Campania se encontraba en ese momento repleta de soldados italianos en desbandada, destruida por los bombardeos aliados que habían causado 25.000 víctimas y numerosos destrozos materiales, y soliviantada por la presencia de los alemanes, que ocuparon la ciudad ante una mínima resistencia de grupos de militares desertores y de una compañía de Carabinieri. Con la ocupación, empezaron los actos de represalia para castigar la resistencia que se había producido. Muchos de los mandos alemanes y buena parte de las tropas encargadas de esas tareas represivas eran antiguos combatientes del frente del este, donde habían participado en numerosas atrocidades contra la población civil. En esa lógica, se inició el reclutamiento forzoso de los hombres para trasladarlos a Alemania y obligarlos a trabajar en la industria de guerra. Mientras tanto, se sucedían los juicios sumarísimos y los fusilamientos. Las arbitrariedades de las que fue objeto la ciudadanía napolitana motivó una de las insurrecciones populares, junto a la de Varsovia, más violentas de la segunda guerra mundial. El primer barrio que se sublevó fue el de Vomero; después siguieron el resto de quartieri napolitanos. Las represalias alemanas fueron contestadas con la furia de la población local que se abalanzó contra los ocupantes. Los napolitanos acapararon todo tipo de armas para utilizarlas contra el enemigo y, cuando no disponían de ellas, se las ingeniaron para responder el fuego alemán lanzando agua hirviendo desde las ventanas de las casas situadas en callejuelas angostas por las que los soldados nazis deambulaban en busca de insurrectos, en una lucha que por momentos tuvo reminiscencias medievales. Ante la imposibilidad de contener la insurrección, y viendo que las tropas aliadas se acercaban a Nápoles, el comandante alemán negoció con el capitán Vincenzo Stirolo la liberación de los prisioneros a cambio de abandonar la ciudad. Los alemanes marcharon de la ciudad por la Via Roma, mostrando banderas blancas en lo alto de sus vehículos blindados. Al finalizar la batalla, los insurrectos tenían 330 bajas (168 muertos y 162 heridos), de las cuales 159 eran civiles. Los alemanes tuvieron 96 fallecidos.
La capital de la Campania fue la primera ciudad europea liberada del yugo nazi por sus propios habitantes, que se organizaron espontáneamente en comités de barrio, sin jefes ni mandos. La lucha guerrillera napolitana, compuesta por mujeres, hombres y niños, la gran mayoría de ellos sin ninguna experiencia militar, fue el embrión, y el modelo, de la resistencia partisana en el resto de Italia. Tuvo sus héroes, el más reconocido de ellos el pequeño Gennarino Capuozzo, un niño de once años que murió en los combates. A día de hoy, numerosas escuelas, bibliotecas e institutos italianos llevan el nombre del valiente Gennarino. Existe una película del año 1962, dirigida por Nanni Loy (Cagliari, 1925-Fiumicino, 1995), que recrea esta rebelión popular: Le Quattro Giornate di Napoli. El elenco de actores está formado por algunos de los clásicos intérpretes de la Italia de postguerra, como el magnífico Gian Maria Volonté o la espléndida Regina Bianchi. El filme fue filmado en blanco y negro en las calles de Nápoles y en algunos de los escenarios históricos donde tuvieron lugar los acontecimientos, como el estadio de Vomero, lugar elegido por los nazis para retener a los insurrectos presos, o el Palazzo dell’Università degli Studi Federico II, ante la fachada del cual se fusiló a un grupo de estudiantes rebeldes. Cuando se habla de memoria democrática, lo mismo en Italia que en España, se debería pensar en sucesos como los de Nápoles, en los que un pueblo martirizado por la tiranía, en el caso napolitano por la doble tiranía nazi y fascista, decide liberarse. Recordar este pasado continúa siendo necesario."
